Cuestionar la representación de las mujeres en el arte

Un impulso artístico que dio marco a cuestiones feministas.

Cerca de la entrada a "The Deconstructive Impulse" (El impulso deconstructivo) en el Museo de Arte Neuberger de Nueva York, se encuentra la fotografía en blanco y negro "Seduction" de Lynn Hershman del año 1988. En ésta, una mujer posa frente a la cámara recostada en una cama. Lleva puesto un vestido negro corto y zapatos de tacos altos, pero en el lugar de la cabeza, hay un aparato de televisión que encuadra sus ojos enormes cerrados y cargados de rimmel. La fotografía es una de 68 obras de 22 artistas estadounidenses que sostienen la premisa de la muestra, enunciada con audacia en su subtítulo: "Mujeres artistas reconfiguran los signos del poder, 1973-1991".

El deconstructivismo en el arte busca desmontar y re-contextualizar materiales de los medios convencionales para poner al descubierto mensajes potencialmente nocivos. Hasta ahora, la interpretación establecida era que los hombres dirigían el deconstructivismo. Al organizar "El impulso deconstructivo", las curadoras, Helaine Posner y Nancy Princenthal, tuvieron la intención de poner las cosas en su lugar.

"Es la primera muestra que hace una reseña de los aportes de las mujeres al deconstructivismo", dijo Posner, curadora principal del Neuberger, quien describe la muestra como "una exposición revisionista" sobre la base de 25 años de perspectiva.

Temas relacionados con la autoría y la autenticidad, los peligros del estereotipo, y el racismo, el clasicismo y el sexismo en los medios son abordados en grabados, afiches, pinturas, fotos, videos e instalaciones. La muestra, que ocupa tres grandes espacios de sala, está organizada en seis secciones ­"Experiencia femenina", "Mascarada", "Apropiación", "Medios masivos", "Moda" y "Crítica de las Instituciones Culturales"­ que ilustran diferentes abordajes del deconstructivismo.

"No sólo nos dimos cuenta de que las mujeres estaban a la vanguardia de este movimiento sino que también muchos de los temas abordados habían surgido del feminismo", dijo Princenthal, que anteriormente fue jefa de edición de Art in America.

En "Experiencia femenina", seis fotos de la serie "Early Color Interiors" de Laurie Simmons, de 1978 y 1979, presentan montajes elaborados de casas de muñecas donde la muñeca ama de casa suburbana lleva a cabo rituales cotidianos.

En "Semiotics of the Kitchen", un video de seis minutos realizado en 1975, Martha Rosler muestra el uso de utensilios de cocina conocidos con un tipo de humor particularmente agresivo. En la sección "Apropiación", los trabajos de Sherrie Levine, usan la fotografía y la pintura para copiar obras de artistas masculinos destacados como Stuart Davis, Kasimir Malevich y Walker Evans. Otras artistas utilizan la apropiación para criticar las industrias de la información y el entretenimiento. En su video "Technology/Transformation: Wonder Woman", realizado en 1979, Dara Birnbaum reorganizó clips de series de televisión para dirigir la atención de los espectadores hacia la descripción sesgada de su superhéroe vestido con un atuendo mínimo. En "Verbs", Sarah Charlesworth reprodujo una primera plana de The New York Times de 1978, pero extrajo todo excepto sus verbos e imágenes. "Al hacer cambios selectivos, dijo Posner, está hablando de cómo podrían los diarios manipular nuestra comprensión de la información". "Estas artistas fueron muy visionarias", dijo Posner.

"Hablamos de la saturación de los medios en los años 80, pero los medios ahora han invadido nuestras vidas de una manera absolutamente generalizada".

Probablemente el comentario más categórico en la muestra se refiera al arte propiamente dicho ­en tres afiches de Guerrilla Girls, un colectivo de artistas feministas formado en 1985. En uno de éstos, "Do Women Have to be Naked to Get into the Met.

Museum?" (¿Las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan?), un desnudo recostado en una pose clásica sostiene con fuerza un plumero y lleva una máscara de gorila. El texto en el afiche responde a la pregunta del título: "Menos de 3% de los artistas en las secciones de Arte Moderno son mujeres, pero 83% de los desnudos son femeninos". "Las generaciones más jóvenes de artistas mujeres han sido beneficiarias de todo el trabajo realizado previamente", dijo Posner. "El feminismo abrió muchas posibilidades para ellas, de modo que quizá su conciencia de ser mujeres no necesite ser tan central como lo fue varias décadas atrás. El feminismo de verdad cambió al mundo".

POR SUSAN HODARA - The New York Times

Fuente: http://www.revistaenie.clarin.com/arte/las_mujeres_en_el_arte_0_449355290.html

Marta Minujín: el personaje y la artista

A partir del jueves 25, la artista más famosa de la Argentina mostrará más de cien obras que repasan su producción de los años 60, 70 y 80. La muestra incluye trabajos recordados, además de otros poco conocidos que salen a la luz a partir de la investigación que la curadora Victoria Noorthoorn hizo en el archivo de la artista. El armado de la muestra, y las opiniones de Gustavo Vázquez Ocampo y Marcelo Pacheco.

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El jueves que viene, el Malba abrirá las puertas de una retrospectiva que muy probablemente convocará multitudes, dedicada a la prolífica carrera de Minujín. Si, a cuento del Bicentenario, este es el año de las revisiones históricas, el aporte del Malba será sumar el capítulo Marta Minujín. Un capítulo integrado por tres décadas de producción de la artista, concentradas en una exposición y un catálogo, ambos resultantes de una ardua investigación en la que se embarcó la curadora Victoria Noorthoorn. Organizada en diferentes ejes temáticos, sin ser estrictamente cronológica, la exposición incluye desde sus pioneras pinturas de 1959, pasando por sus famosas ambientaciones y happenings de mediados de los 60 en el Instituto Di Tella, para llegar hasta sus proyectos de carácter masivo, como el recordado Partenón de libros.
Es curioso, pero a lo largo de la extensa carrera de Minujín no se han realizado muchas exposiciones individuales, no se han escrito demasiados textos teóricos dedicados a su obra (sobran los dedos de una mano para contarlos), ni se han publicado libros que den cuenta de sus numerosas producciones. En su casa de toda la vida, en el barrio de Montserrat, la reina del pop criollo guardó –a pesar de su manifiesta pulsión por la destrucción de su propia obra, por el carácter efímero de sus trabajos, por su condición momentánea e inmaterial–, en una habitación-archivo un sinfín de fotos, bocetos, cartas y fragmentos de obras que ahora verán la luz.
Tanto el público general como el especializado, ambos acostumbrados a encontrar a la Minujín entre las páginas de las revistas de famosos (para ella, un soporte tan bueno como cualquier otro para el hecho artístico), se encontrará con diferentes registros (reconstrucciones, recreaciones, piezas originales y material documental fotográfico y de video) de obras paradigmáticas como La destrucción (1963), ¡Revuélquese y viva! (1964), La menesunda (1965), Importación–Exportación (1968), Kidnappening (1973), El obelisco de pan dulce (1979) y el Partenón de libros (1983), obra que se apodó Monumento a la democracia, ya que fue realizada con títulos que fueron prohibidos durante la dictadura.
A pocos días de que la exposición abra las puertas, Minujín recorre las salas del Malba con una energía arrolladora, mostrando un semblante en el que se combinan ansiedad y felicidad. Hacer, hacer, hacer... Y dejar hacer, ése parece ser su lema. Compañera de andanzas de mitos del arte como Yves Klein, Warhol, Dalí o Christo, la Minujín se mueve en los entretelones de su muestra, despojada absolutamente de ego y deja que la curadora, los montajistas y los asistentes desarrollen su trabajo en completa libertad. La misma que ha demandado siempre para sí misma.

Marta Minujín. Obras 1959-1989
Hasta el 7 de febrero.
De jueves a lunes, de 12 a 20; miércoles hasta las 21.
Entrada: adultos $ 20, docentes, estudiantes y jubilados $ 10. Miércoles: entrada $ 8, docentes y jubilados $ 4 y estudiantes gratis.

[…]

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http://www.diarioperfil.com.ar/edimp/0525/articulo.php?art=25664&ed=0525

Por Mercedes Urquiza

Silvia Vera Ocampo presentó su libro Arte y Género en el Museo Roca

El 20 de septiembre, Silvia Vera Ocampo presentó su último libro Arte y Género en el Museo Roca, Instituto de Investigaciones Históricas de la Ciudad de Buenos Aires. El panel de disertantes estuvo integrado por Rosa Faccaro, Mirta Henault, Teresa Nachman, Lily Sosa de Newton y Leo Vinci. Con la presentación a cargo de Ana María Ramb.

Ana María Ramb, periodista, fue la que coordinó la charla entre los presentes y comenzó la presentación con una conocida frase “Uno no nace mujer, Se hace.” de Simone de Beauvoir, que escribió en el libro El Segundo Sexo. “Un libro donde abrió la cabeza a muchísimas mujeres, es que esto de hacerse mujer es cosa de todos los días”, comentó.

Luego habló Lily Sosa de Newton, historiadora, biógrafa y ensayista, quien felicitó a Ocampo por su maravillosa obra y destacó la cantidad de material reunido allí, “Es de una riqueza inmensa y un material exquisito, que hace a uno reflexionar. Fue un placer leer tu libro”, dijo. Ella estudió magisterio porque su padre no la dejó estudiar en la universidad y destacó las palabras que le dijo en su momento: “Todas mis hijas serán maestras, no van a ir a machonear a la universidad”, cuando pronunció estas palabras todo el público presente rió y ella explicó que en esa época no era común que una mujer entrara a estudiar una carrera universitaria; fue su marido escritor quien la alentó a escribir sobre la historia de las mujeres, y explicó que desde chica guardó recortes de revistas y de diarios de mujeres importantes, que fue una tarea ardua pero valió la pena porque hoy la consultan sobre ese material elemental que tiene entre sus manos, “son carpetas enormes que tengo guardadas”, comentó. Y fue así que se desempeñó en escribir sobre la historia de las mujeres de nuestro país. Hoy a sus 90 años está escribiendo su actual libro.

La siguió Leo Vinci, escultor argentino, quien recalcó la obra de Ocampo y agregó que los hijos de América son descendientes de europeos en un 50 por ciento porque el otro 50 es aborigen, lo dijo a modo de introducción al comentar el capítulo donde Silvia habla de las Culturas Aborígenes Americanas Precolombinas. “Es arte que proviene de las raíces aborígenes”, dijo. Felicitó a Silvia por la historia mundial que reunió y que da una mirada global. Y además añadió que hoy día son cada día más las mujeres que estudian y crean arte, por ejemplo en su Taller de Escultura el 80 por ciento de sus alumnos son mujeres y antes era al revés, hoy las mujeres agarran las herramientas como los hombres, ya no se mide la fuerza por distinción de género. Y comentó que cuando daba clases en la Escuela de Bellas Artes al principio había dos aulas de varones y una de mujeres, y al tiempo fue a la inversa, eran más mujeres que hombres.

Ramb comentó que ellos dos no esconden el año de sus nacimientos, y agregó Lily Sosa de Newton nació en el año 1920 y Leo Vinci, el único hombre en la mesa, nació en 1930.

Rosa Faccaro, Crítica de Arte y Profesora de Artes Visuales, y amiga de Ocampo, que la acompañó en la presentación de su anterior libro. Destacó el material reunido en el libro que es un libro que revisa la historia del Arte construido por las mujeres y que es necesario su escritura. Lo cual añadió que ella fue la primera mujer en ser crítica de arte y le fue muy difícil ser la única mujer, pero luego de varios años de lucha y de trabajo se estableció como tal. Explicó que su trabajo no es con el objetivo de competir con el sexo opuesto sino en sumar y apoyarse mutuamente para crear y respetar la cultura. Fue la primera en traer el Arte Textil a la Argentina. Y comentó que hoy sufre como la mayoría de los establecimientos de la Ciudad de Buenos Aires problemas edilicios en la escuela donde da clases, y por esos motivos dicta las clases en la calle.

Al finalizar la presentación, Ocampo respondió con su voz bajita y serena algunas de las preguntas del panel, contó que le llevó dos años en escribir este libro, en la satisfacción que le dio en hacerlo, y dejó la puerta abierta para una segunda parte pero admitió que no sería ella quien lo continuase. Fueron pocas las palabras que enunció por el poco tiempo pero fueron contundentes para que el público se levantara y se amontonara en el escenario a saludarla.

Sobre el libro

Ocampo logra que el lector tome conciencia, que reflexione sobre un montón de interrogantes, y lo hace de una manera equilibrada, objetiva y justa. Responde en forma completa cada pregunta que se hace y lo explica con ejemplos y vivencias. Tiene una mirada profunda, deja en claro que la mujer no quiere ocupar un lugar en el arte para competir con el hombre sino que pueda sumar, complementarse y compartir. Reúne una completa investigación y hace un aporte enorme al revisionismo histórico femenino. Nombra entre muchas Artistas de América a Frida Kahlo, Raquel Forner y Lola Mora, y por supuesto, a la novelista y filósofa francesa Simone de Beauvoir. Mujeres Artistas que marcaron el camino y que dijeron en voz alta lo que pensaban, sin tabúes, sin el pánico al qué dirán, y actuaron libremente en épocas que la mujer estaba atada a las tareas domésticas y ocultas socialmente. Ocampo reúne un pedacito de todas ellas en ella misma. Ocampo es Arte y es Género, lo demuestra en cada línea de su libro.

Claudia Perez

la doble nelson

¿usted cómo lo hace?
¿sabía que el amor después de los cuarenta es un concepto impracticable
como intentar una aleación entre un campo flexible y un material totalitario
un desafío estéril que le marca en la frente las letras de un cartel
que usted va por la calle con la palabra nunca entre los ojos
y todos leen que come de la olla
que duerme solo
que llora a gritos contra el botiquín
que los domingos piensa en matarse
los lunes maldice su falta de valor
el martes se compone
el viernes va a un lugar donde la gente se conoce
pero se siente un vidrio
una columna
una capa de polvo entre el ruido y la noche?
y los demás se besan en la boca
y ríen y se abrazan como si el mundo fuera a colapsar

o todo dependiese de un principio

acaso esa membrana que une la juventud con la belleza
y se desgarra en la fricción

usted
¿cómo lo hace?

Laura Yasan

Laura Yasan, Ganadora del Premio Casa de las Américas Poesía 2008 por su libro inédito “la llave marilyn”, presentó ayer en el teatro Taller del Ángel la segunda edición de su libro. Fue una presentación de lo más original, con la actuación de Susana Yasan que trazó en el escenario los versos de la poeta de una manera brillante, sensible y penetrante; con la compañía de Bárbara Pinto Oliver que acarició el violín dibujando en el aura una luz tenue que envolvía a los presentes.

Claudia Perez

Fuente: “la llave marilyn” de Laura Yasan, Ediciones del Dock, 2010.